визит к бабушке

В этой статье изложена история искусства барокко. Здесь мы расскажем, откуда произошло понятие барокко, какие историчекие предпосылки способствовали становлению изобразительного искусства барокко и как оно развивалось в этот период. Вы узнаете, как отличить произведения барочного стиля от работ других направлений, стилистические особенности художников и чему служило искусство этой эпохи. Кроме этого здесь приведены самые значимые художники, скульпторы и архитекьлры эпохи барокко и их произведения с иллюстрациями и художественным анализом.

Если вы хотите прочитать краткое описание всех стилей в искусстве, переходите по ссылке:

Искусство барокко развивалось после периода Возрождения и Маньеризма. Она привнесла в искусство новую перспективу жизни, искусства, религии и культуры. Барочный стиль отдалился от строгих элементов, присущих протестантскому стилю. Католическая церковь поддерживала развитие стиля барокко с зарождением его в Риме и наконец распространением в другие европейские страны такие как, Северная Италия, Франция, Испания, Португалия, Австрия. Южная Германия и Россия. Далее мы обсудим этот декоративный и полный фантазий и иллюзий стиль искусства.

 

Содержание

 

 

Что такое барокко?

Эпоха барокко началась в конце 16го в. и продолжалась до начала 18го века. И была распространена во всей Европе и выразилась во всех видах искусства и жанрах живописи. Принципы экстравагантности и роскоши в стиле барокко нашли отображение в разных областях культуры – в живописи, архитектуре, скульптуре, литературе и музыке. Это был период расцвета в культуре и искусстве, которые глубоко укоренились в религиозных структурах и во власти Западной Европы этого временного отрезка, а именно в католической церкви, которую сегодня принято называть римско-католической церковью.      

Любой вид барочного искусства был так или иначе связан с католической церковью. На практике церковь диктовала, как должно было «выглядеть» произведение искусства, для того, чтобы достигнуть нужного воздействия на народ. В душе наблюдающего искусство барокко должно выло вызывать чувство глубокого уважения и величия перед увиденным и таким образом этот стиль получил совершенно новый опыт обмена эмоциями.

Католическая церковь поддерживала развитие стиля барокко, потому что ей нужен был новый активный наставник, для общения с народом, для того, чтобы воодушевлять и поднимать дух простого народа, чтобы привязать его к церкви и ее величеству. После суеты войны и конфликта реформации церкви этот период барочного стиля стал освежающим возрождением для церкви и ее положения.

Наступающие силы за ней могли быть приняты, как пропагандистские, потому что, они использовали визуальные средства выражения и коммуникации с обществом (живопись, архитектуру, скульптуру) для поддержания веры и авторитета церкви.

Для более ясного понимания прогресса, который привнес барокко в историю культуры и искусства следует рассмотреть исторические предпосылки, лежащие в основе развития данного стиля.

Реформация: Католическая церковь и протестанты.

Барочная эпоха развивалась в ходе значительных церковных и политических перемен в Европе, таких как реформация между протестантами и католической церковью 16 века. Хотя реформация могла начаться другими религиозными лицами гораздо раньше Мартина Лютера (немецкого монаха, священника и теолога), однако именно его согласно многим научным источникам принято считать катализатором, с чего началось реформационное движения в Западной Европе между двумя церковными направлениями.      

Мартин Лютер, (не стоит его путать с Мартином Лютером Кингом в США) известен также тем, что опубликовал свою рукопись под названием «95 тезисов», которые он составил в 1517 году из опасений появления разных сомнительных действий со стороны католической церкви. Его тревога касалась прежде всего торговли церкви индульгенцией, которую принял папа Лев X, для сбора денег на строительства Собора святого Петра в Ватикане.

 

Индульгениция – особая грамота, отпускающая грехи, которую выдавала католическая церковь от имени его папы Римского за определенную денежную плату. С латинского языка „Indulgeo“ означает «в долгу», что изначально давало временное освобождение грешника от наказания поскольку тот уже исповедался и покаялся в содеянной.

В эпоху возрождения индульгенция получает огромное распространение и принимает несколько другой характер, становясь откупом за грехи. Это вызывало недовольство у противников католической церкви. Интересно, что индульгенция продавалась не только живым, но и для уже умерших. Таким образом католическая церковь внушала людям, что родственники могли, заплатив некую сумму, очистить покойных близких от греха и этим избавить их от небесной кары.      

Грамота индульгенции стала своего рода сертификатом, который гарантировал человеку, что тот попадет в рай и немного времени пробудит в чистилище, если будет давать церкви пожертвования, совершать благие поступки, бывать в святых местах, читать молитвы. В этом случае финансовые взносы помогали папе римскому при строительстве базилики. Мартин Лютер был противником таких действий, потому что считал, что никто не может вместо самого человека получить отпущение грехов в небесах. Кроме того, у него были и другие более глубокие понятия против церкви и ее отношения по разным религиозным вопросам, которые касались священных таинств и обрядов в католической церкви.     

Лукас-Кранах-Старший-Портрет-Мартина-Лютера   

Лукас Кранах Старший, Портрет Мартина Лютера, 1529, дерево, масло, 38 x 24 см. public domain.

 

В течение этого времени Мартин Лютер преподавал богословие в университете в Виттенберге (Германия), кроме того он был проповедником. До него дошли слухи, что неподалеку торгуют грамотами индульгенции и указали на проповедников, которые задержаны недалеко от Виттенберга другим пастырем по имени Иоанн Тецель, немецким проповедником доминиканской церкви, который также являлся Великим комиссаром по сбору средств от торговли индульгенциями. Иоанн Тецель продавал грамоты в немецких городах, выкрикивая цену, как рыночный торговец. 

Мартин Лютер отправил свою книгу «95 тезисов» архиепископу города Майнц, которым в этот период был Альберт фон Бранденбург, чтобы его сообщить о происходящем. Он раздавал свои «тезисы» перед входом в церковь в Виттенберге, что часто практиковалось. Возможности печатной прессы позволяли Мартину Лютеру напечатать множество копий своей монографии. Фактически были напечатаны сотни экземпляров в Германии и переведены с латыни на немецкий. Документ наконец попал в руки многих авторитетных и влиятельных людей.    

В 1521 году Мартин Лютер пришел к сильным разногласиям во мнениях с церковью, и когда от него потребовали отречься от своих воззрений, он отказался. По этой причине в 1521 году согласно Вормсскому эдикту, изданному Императором Священной римской Империи Карлом V, Мартин Лютер был объявлен еретиком, а его писания было запрещено к печати. В дальнейшем было инсценировано тайное похищения Лютера, который жил в замке Вартбург близ Эйзенаха (Тюрингия, Германия). Мартин Лютер, находясь в замке, приступил к переводу Библии с греческого языка на немецкий язык, минуя латынь. Для того времени это был прорыв в культуре Германии, где большинство людей не владели и не хотели владеть латинским языком.

1522 был издан первый перевод под тайным названием «Сентябрьский Завет». Позднее книга будет растиражирована и продана Гансом Люфтом в огромном количестве. Библия Лютера оказалась любимым чтивом для многих немцев, умеющих хотя бы немного читать, в то время как латынь была чужда и неприемлема для простого народа Германии. Немецкий язык Библии Лютера ляжет в основу литературного немецкого языка.

 

В замке Вартбург в 1525 году Лютер жениться на Катарине фон Бора и у них родиться шестеро детей. Есть замечательный диптих – парный портрет супругов кисти одного из знаменательных художников Северного Возрождения – Лукаса Кранаха Старшего.

В честь Мартина Лютера протестантизм получил еще одно название – лютеранство. А протестантом можно также назвать лютеране. Таким образом со сегодняшних дней в Европе есть два главных религиозных направление: католицизм и протестантство ( = лютеранская церковь)

 

Протестанты против контрреформации.

Контрреформация вызвала новую волну развития в искусстве и духовности. Протестанты пытались ликвидировать большую часть религиозных изображений католической церкви – они считали, что это искусство слишком напыщенным. Некоторые реформаторы насильно уничтожали католические картины с религиозной тематикой. Это движение получило название иконоборчества. Протестанты считали, что по их признанным ценностям в церкви позволено изображать только Христа или крест, как символ спасения.

 Протестанты, реформаторы, лютеране или евангелисты – это названия одного и того же направления религиозного движения — протестантизма, возникшего в 16м в., которое возглавил монах и проповедник Мартин Лютер. Его движение носит название реформации и появилась, как борьба против постулатов католической церкви, особенно распространившейся тогда индульгенции.   

Ответной реакцией католиков на строгость образов и стиля у протестантской церкви, было их ясное убеждение, что картины с религиозным сюжетом имеют сильное воздействие на умы людей.

Кроме этого, на Тридентском соборе (собранном в городе Трент или Тридент) – XIX Вселенском Соборе было решено какие религиозные картины являются приемлемыми, а какие нет. Роль церкви, как пастора, ведущего за собой народ, стала главной целью религиозных картин, что позволяло художникам изображать в церкви страдания Христа и сцены распятия со множеством святых и библейских рассказов. Участники Собора установили строгие правила, не позволяющие в изображениях какие-либо даже самые незначительные идолопоклоннические намеки.    

Что из этого последовало – новое отношение и новые стили, которые отобразились в новом религиозном языке живописи, более известном под названием эпохи барокко.

Жемчужина с изъяном: определение барокко

Для большей ясности и понимания значения понятия «барокко», мы будет стараться рассказывать больше об историческом контексте, чтобы понять, что такое искусство барокко и чем оно являлось.

Искусство, которое начало развиваться в этот период, явилось визуальным отображением и достижением этого времени, которые были обусловлены глубокими историческими, социальными и политическими веяниями Западной Европы. Несомненно, это была эпоха открытий, введения нового понимания и техники в мире искусства и таким образом новых достижений.

Понятие «Барокко» понималось в разных контекстах по-разному. Это французское слово, но этимологически оно уходит корнями к португальскому слову «barocco», которое означает «жемчужину, имеющую изъян». Примерно в 1500 году это название закрепилось за ювелирными украшениями. Его использовали, чтобы описать форму настоящей жемчужины. Искусствовед Сергей Даниэль в своей книге дает этому термину несколько другое объяснение. «Во Франции издавна словом рокайль (фр. rocaille) называли украшения в виде грубо обработанных камней (roc — скала) и раковин, которыми декорировали садовые гроты и фонтаны; еще в XVI столетии мастера этого дела были известны как rocailleur‘ы. Позднее этим словом стали обозначать всяческие формы, напоминающие украшения подобного рода.

Слово приобрело особый семантический ореол: каприз природы, прихоть воображения, нечто необыкновенное, причудливое, вычурное. Отсюда и термин rococo. В лексиконе историков искусства rocaille и rococo употребляются как синонимы.» (С. Даниэль, «Рококо. От Ватто до Фрагонара»). У Даниэля речь идет скорее больше о рококо, хотя корень здесь общий и сложно сказать какая версия имеет большую правдивость, но суть значения нам ясна – барокко, а также рококо, как его продолжение и развитие возникли в похожих обстоятельствах, и преследовали одни цели.

Другое определения этого понятия уходят корнями в философию и логику. Речь идет об аристотелевской логике. Многие философы использовали этот термин для обозначения чего-то «странного и напрасно сложного», как выразился Мише́ль де Монтень.    

Жан-Жак Руссо философ и музыкант 18 века, описал барочную музыку в Dictionnaire de musique – «Словаре музыки» 1768 г., как дисгармоничную: «Барочная музыка такова, в которой нарушена гармония, нагружена модуляциями и диссонансами. Пение жесткое и неестественное, интонация тяжелая, движения навязанные. Кажется, что это понятие происходит из «барокко» логиков.»

Генрих Вельфлин историк искусств из Швейцарии, в своей публикации «Ренессанс и барокко» (1888) «барокко» в контексте стиля искусства, — «Как бы не объяснялось это понятие в ходе столетий, в любом случае основополагающая суть указывает на чувство неполноценного, смятения, но и. возможно, беспорядка и красоты.»

 

Это проявляется в барочном стиле, будь то картины, скульптуры, архитектура, музыка или литература. Далее мы подробнее рассмотрим, что такое барочное искусство.

 

Стиль барокко. Признаки и техники искусства барокко

Барочное искусство развивали наиболее примечательные художники, архитекторы и скульпторы, которые и доносили визуальное отображение искусства до простого люда. Существовало множество важных фигур барочной эпохи. Например, художники такие, как Караваджо, который отображал в своих полотнах сильнейший реализм, братья Караччи и их болонская школа, которые хотели отделиться от искусства маньеризма (период после возрождения) и Джакомо Делла Порта — итальянский архитектор. Мы рассмотрим подробнее этих мастеров и их произведения.

Что отличает стиль барокко от возрождения и маньеризма – это фокусировка на живости мотивов и строгий реализм. Некоторые источники описывают это также, как концентрацию на моменте, в который происходит событие, иначе говоря, «действие» или драма. Сюжет состоял из религиозных и библейских рассказов и притч, так как было предписано католической церковью. Они в свою очередь дополняются образами Девы Марии, святых и разных библейских рассказов.     

Кроме этого барочная живопись отличались светящимися цветами, которые наносились кружащимися и широкими мазками кисти, что указывает на динамику и эмоциональную интенсивность в картинах. Этот живописный стиль сконцентрирован на изображении крупных пятен света и открытого пространства. Такое отношение заметно и в архитектуре, как, к примеру, в барочных церковных постройках с просторными помещениями в центре здания, купола или квадратные перекрытия, венчающие крыши, что позволяло проникать большему количеству света внутрь строения.   

Chiaroscuro – техника светотени.

Chiaroscuro – это итальянское название в технике живописи, что принято называть светотенью. Оно основано на контрастах в живописи. Эта технике начинается еще в эпоху возрождения, но так как в своей живописи ее использовал Караваджо, в его исполнении светотень становится одной из главных признаков барочной живописи. За счет подчеркнуто темный фон и свет как на театральной сцене – он как будто падает с прожектора и направлен только на действующих лиц.

Такое решение света в картине вовлекает зрителя в живописное пространство, и он ощущает себя частью событий. Караваджо этим стремился усилить эмоциональную нагрузку религиозных сцен, где часто были страдания святых. Это объясняется желанием художника дать большую реалистичность изображаемым событиям, вызвать сочувствие и участие у народа, который был главным зрителем этих работ. С другой стороны, это еще некая высшая цель, которую преследовала католическая церковь, подчиняя себе простой люд через страх. Страх – хороший способ подчинения простого народа.

Примером картины Караваджо можно назвать работу «Призвание апостола Матфея (1599 – 1600), где мы видим правый палец Христа, направленный на святого Матвея. Свет и темная полоска тени, граничащая с ней идут со стороны окна, освещая руку Христа; она указывает на апостола Матвея. Световая полоса вводит зрителя в происходящее этого кабака налево, но рука апостола Петра привлекает внимание к образу Христа, главного действующего лица. Эта типичная барочная композиция заставляет нас кружится внутри картины, ощущать некую динамику происходящего, здесь нет статичности или строгости, это сложная композиция, множество разноплановых фигур. Темный фон присущий стилю Караваджо и его последователей делает изображение еще более напряженным и таинственным.  

Караваджо-Призвание-апостола-Матвея

Караваджо, Призвание апостола Матвея,1599-1600, Public domain

 

Tenebris – техника затемнения

Другая техника, которую мы встречаем у многих художников барокко, но первенство и введение в широкое использование в живописи приписывается также Караваджо. Этот технический момент близок к светотени, он сфокусирован преимущественно на темных плоскостях полотен.

Название вышло из итальянского слова «tenebroso», который в свою очередь происходит с латинского «tenebra» и означает «темнота». Это темнота является аллегорией тьмы, или таинственности, придает картине также большую эмоциональность, иногда напряжение. Художники пытались создать эффект прожекторного света – сценического или драматическое освещение.    

Quadro Riportato – картина в картине

«Quadro Riportato» означает «заключенная картина» и используется как техника, где художник рисует вокруг картины что-то, что выглядит, как рама, при этом вся работа состоит их нескольких изображений, созданные в виде фрески. Этот метод использовал один из предшественников барочного стиля, болонский художник Аннибале Карраччи. Ее можно видеть на плафоне Палаццо Фарнезе в виде фрески «Любовь Богов» (1597-1600).    

Аннибале-Караччи-Триумф-Вакха

Аннибале Караччи, Триумф Вакха и Ариадны,в центре Любовь Богов, 1597-1600, фреска на плафоне в зале «Галерея Фарнезе», Public domain.

 

Оптический обман, обман зрения, иллюзия. Trompe l’Oeil

С французского «Trompe l’Oeil» означает обман зрения. Здесь важно понимать, что для того времени, где совсем недавно картины были почти плоскими, не потому что художники не имели такого мастерства, а потому что, задачи такой у них не было. И было это не актуально. Но со временем, появляется перспектива – трехмерное изображение на плоскости. Это было великое достижение для искусства того периода. Художники играют в игру возможностей. Им хочется идти дальше, развить эту технику.

Что еще можно сделать с перспективой? Само трехмерное изображение – это не совсем иллюзия. Конечно, то, что на двухмерной плоскости появляются трехмерные объекты – это своего рода обман который просто передает объем изображаемых предметов. Но за счет композиции картины может быть совершенно статичной. Барочные художники, развивая идею трехмерного изображения, приходят к новой технике, где за счет композиционного решения, их картина, имеющая определенный размер, кажется больше и просторнее, как бы расширяясь.    

 Идея оптического расширения пространства картины была важной частью барочного искусства. Будь то картина, скульптура или архитектурное строение. Все должно было выходить за свои рамки, раздвигать границы, создавать некий обман, где глаз не различает истинную границу от иллюзии. То, что картина должна была иметь трехмерное изображение уже являлось прогрессом, художники продолжали эту идею, делая этот объем как можно более обманчивым для глаза – холст, который имеет глубину.

Трехмерное изображение, перспектива, объем или глубина – по сути объясняют одно явление – передача на двухмерной плоскости трехмерного изображения. Но это было уже придумано раньше. Барочные художники развивая идею объемного изображения, стараются привлечь зрителя в пространство картины, создать максимальное ощущение присутствия — мы становимся действующим лицом сюжета. На это влияет, безусловно, общая композиция картин, динамичная и нестабильная.

Идея раздвижения границ хорошо видна в барочной архитектуре, где используются зеркала напротив частых окон – мало плоскости стены, большое количество золоченной резьбы. Множество картин на стенах и плафоне. Наличие десюдепортов. Все это должно было способствовать исчезновению непосредственно плоскости.

Десюдепорт – „dessus de porte“ дословно означает «над дверью» — пространство над дверьми, часто парными, которое украшается резьбой или картиной.

Наш глаз видит резные, золоченые настенные бра, когда-то в них горели свечи, свет от них отражался в зеркалах, золочение резьбы блестело, усиливая движение и иллюзорность, напротив зеркал окна, в которых тоже нет стены, там другая картинка – пейзаж парка. На полу паркет с рисунком, на потолке иногда плоском также трехмерное изображение. Все давало иллюзию некого пространства, где нет границ. А если в таком зале кружится в вальсе, мимолетом перехватывая глазом очертания стен, где все искрится и плывет, то человек полностью теряет ощущение реальности.

Это барочное ощущение, где человек велит архитектуре подчиниться его воле, природе быть такой, как ему угодно – стриженные деревья, симметричные аллеи и лужайки, парк, где на каждом шагу скульптура, сотворенная руками человека. Это все барочное мышление. В прическах и нарядах дамы превзошли любые изыски моды. Неестественные фигуры, широкие юбки с фижмами, огромные конструкции причесок. Все вышло из мысли той жемчужины, имеющей неправильную, изогнутую форму, а не классическую круглую, как было ранее. Эту жемчужину, точнее ее изгиб можно множество раз видеть в разного рода украшениях в виде резьбы в архитектуре, в мебели или живописи в виде мазка кисти, похожего на завиток. Но не будем забегать вперед, нам еще предстоит обсудить архитектуру эпохи барокко.     

Технику иллюзорного расширения границ в живописи можно видеть во многих фресках в церквях, а также картинах всего барочного периода. Как мы уже говорили, она началась не в эту эпоху. Фактически есть свидетельства, что что-то подобное можно видеть в греческой настенной живописи. В будущем к такому методу художники будут прибегать очень часто. К примеру Сальвадор Дали, который идею обмана зрения передает в сюрреалистических картина

Барочные художники используют еще одну технику перспективы – квадратура, которая представляет из себя картину, где показаны части реальной архитектуры, которые являются продолжением настоящих строительных элементов. Здесь мастера использовали теорию архитектурной перспективы, для того, чтобы правильно ее применять.   

 

Знаменитые художники барокко. Картины эпохи барокко

В дальнейшем мы рассмотрим большое число известных мастеров барокко, в числе которых выдающие художники, архитекторы и их строения, скульпторы и их ваяния. Разумеется, это не исключает многие другие шедевры, которые были созданы в течение эпохи барокко и что они дали искусству и культуре этого периода.   

 

Барочные полотна находились по всей территории Европы, и мы рассмотрим произведения итальянских, французских, испанских, фламандских, голландских, английских и немецких мастеров. Многие творцы находили разные творческие атрибуты, которые они использовали в разных видах искусства, художники становились скульпторами, графиками; графики становились архитекторами и так далее.

Мы рассмотрим, что есть целый ряд пересечений между многими этими художниками, так что каждый из них изучал разные источники предшественников, вдохновляясь произведениями этого периода, включая стили таких великих мастеров возрождения как Микеланджело, Тициана и Рафаэля.    

 

АННИБАЛЕ КАРРАЧЧИ  

(1560 – 1609)

Аннибале Карраччи вместе со своим братом Агостино Карраччи (1557 – 1602) и их кузеном Лодовико Карраччи (1555 – 1619) являются пионерами живописи барокко. Они известны тем, что основали «Болонскую школу живописи» (1590-1630), что стало началом классицистического академизма. В скором времени она получила название «Accademia dei Desiderosi» — академия жаждущих, а еще позже была переименована в «Accademia degli Incamminati» — «Академия просвещенных».    

Это стало переломным моментом для искусства Италии, потому что оно отдалилось от стилей возрождения и маньеризма. Аннибале Карраччи попытался внести в свои произведения элементы классицизма и натурализма. Он обращается к теории стиля высокого ренессанса в отношении пропорций и перспективы, чтобы усилить эстетическое и натуралистическое очарование.  Он известен своим реалистичным стилем и широкими мазками кисти.

Его произведения оставляют живое впечатление и имеют натуральную величину. Карраччи выбирает широкие, во всю длину холсты для более тесной эмоциональной связи с наблюдающим. Кроме того, он также использует технику иллюзии; его картины имеют часто религиозное содержание и приглашают зрителя стать частью религиозного пейзажа и действующих лиц, принять участие в сюжете. Примером его работ может быть «Пиета» (1585) и «Воскресение Христа» (1593).

 

Аннибале-Карраччи-Пиета

Аннибале Карраччи, Пиета, 1585, Public domain.

 

МИКЕЛАНДЖЕЛО МЕРИЗИ ДА КАРАВАДЖО

(1571 – 1610)

Караваджо был революционером в искусстве своего времени, который вел скорее противоречивый образ жизни и был соучастником разных преступлений. Он начал свое образование, как художника с маньеризма в Риме, но в конце концов он отдалился от этого стиля и выявил свою более натуралистичную манеру. Он стал очень популярен из-за своего новаторского стиля живописи и используемых мотивов. Относить Караваджо к какому-то стилю или эпохе можно лишь формально, поскольку его манера живописи настолько далеко ушла от барочной и от его современников, что его можно поистине назвать индивидуалистом, кем он и являлся по своей натуре и своему отношению к творчеству.       

Караваджо изображал мир, который его окружал и часто соединял сцены из повседневной жизни с сакральными фигурами. В некоторой степени он пробовал перебросить мост между обыденной жизнью и святейшими материями. Святым он придавал человеческие качества, а некоторые источники придерживались концепции «популяризации духовности», согласно которой художник высокие, религиозные мысли в искусстве передавал простым художественным языком, делая его доступным для обычного человека с улицы.     

Божественное уже не было тем далеким идеалом и образом совершенства, и не играла ту роль, какую ему приписывала католическая церковь, требуя отображения сего в произведениях искусства во времена контрреформации.

Многие из великих произведений Караваджо являются следующие картины: «Призвание святого Матвея» (1600), «Мученичество святого Матвея» (1600), «Распятие святого Петра» (1601), «Успение Девы Марии» (1606), «Бичевание Христа» (1607) и многие другие. Возможно зрителю бросается в глаза радикальный реализм в картине Караваджо «Успение Девы Марии» (1606), которую подвергли сильной критике из-за изображении Богородицы. Умершая Дева Мария здесь является матерью Христа, но художник изображает ее безжизненное тело, как тело обыкновенной женщины – зритель, смотрящий на эту фигуру, предположил бы, что это и есть обычная женщина, если бы не тоненькая полоса золотого нимба над ее головой. 

 

Караваджо-Успение-Девы-Марии

Караваджо, Успение Девы Марии, 1606, Public domain.

Караваджо подчеркивает натуралистичность этой композиции посредством многих элементов – у нее простая одежда, несколько опухшие ноги и руки, простата сцены, опечаленные мужчины вокруг тела. Караваджо открывает на переднем плане всю сцену для зрителя, при этом разные фигуры, присутствующие на фоне по всей видимости создают кулису, зритель как бы втягивается в происходящее траурное событие, становится одним из оплакивающих Деву Марию.

Кроме этого, во многих полотнах Караваджо мы видим сильный контраст темного и светлого. Такое применение техники светотени стало одним из характерных черт его произведений и оказало сильнейшее влияние на других европейских художников, став феноменом, названным Караваджизм.     

 

АРТЕМИЗИЯ ДЖЕНТИЛЕСКИ

(1593 – 1656)

Артемизия Джентилески была известной художницей периода барокко. Из-за использования светотеневой техники ее работы очень похожи на работы Караваджо. Она также изображала многих женщин из библейских рассказов, сцены изнасилования и борьбы, желая показать роль женщины в мужском мире, поскольку по праву в это время в искусстве доминировали мужчины. Ее сюжеты были реалистичны – это часто видно во многих барочных произведениях.    

Одна из наиболее популярных произведений Джентилески – это «Сусанна и старцы» (1610), «Даная» (1612) и «Юдифь, обезглавливающая Олоферна» (1620), динамичная работа. Работа с таким сюжетом есть и кисти Караваджо. В версии Джентилески сделан больший акцент на женские фигуры, убивающие мужчину, который пытается защититься, в то время как женщины его держат и заняты его обезглавливанием.    

   

Артемизия-Джентилески-Юдифь

Артемизия Джентилески, Юдифь обезглавливающая Олеферна, 1611-1612, Public domain.

 

Композиция показана в самом разгаре борьбы, так, что мы замечаем, как брызгает кровь из горла, что делает сцену более эмоциональной и серьезной. Здесь также видна техника затемнения, а также выбор относительно темной цветовой палитры.

Другие аспекты этой композиции указывают на силу Джентилески, как художницы. Это ее возможность изобразить подобный сюжет таким образом, как ей этого хотелось. 

 

АРХИТЕКТУРА БАРОККО

Барочная Архитектура выделяется своими изощренными художественными украшениями, высокими плафонами, украшенными фресками и роскошными орнаментом. Все это должно было привлечь к себе внимание зрителя и вызвать восхищение богатством хозяина.    

Плафон – высокий потолок, украшенный часто живописью, резьбой или барельефами.

Также огромную роль в формировании стиля барокко сыграли иезуиты.

Иезуиты – религиозный орден во времена контрреформации. Они пытались создать новый вид архитектуры, которая должна была вдохновлять народ и показывать величие католической церкви.  

 

ДЖАКОМО ДЕЛЛА ПОРТА

(1532 – 1602)

Началом архитектуры барокко принято считать строительство церкви Иль Джезу (1584). Точнее новаторский стиль ее фасада, спланированный итальянским скульптором и архитектором Джакомо Делла Порта. Его фигура занимает значимое место в эпоху барочного искусства. Делла Порта изучал произведения Джотто, Микеланджело и других великих мастеров. Был учеником ведущего архитектора стиля маньеризм в Италии Бароцци да Виньола (1507 – 1573).  

 

Делла-Порта-Фасад-церкви-Иль-Джезу

Делла Порта, Фасад церкви Иль Джезу в Риме, Public domain.

Церковь Иль Джезу была основана для общества Иисуса, которых также называли иезуитами. Над этим зданием Делла Порта и Бароцци да Виньола работали вместе. В сравнении с более поздними строениями, ранне-барочный фасада украшен довольно скромно. Здесь использовано минимальное количество украшений, с одним лишь декоративным акцентом рядом со входом. Подобное архитектурное решение сыграло важную роль для начала стиля барокко и задало тон начинателям барочной архитектуры. 

 

Скульптура барокко

Во времена барокко существовало множество великих скульпторов, но был один, который отличился от всех благодаря новой роли скульптуры в убранстве церкви. Она создавалась по заказу католической церкви, для того, чтобы усилить страх народа перед церковной властью и внушить к ней еще большее уважение.

Барочная скульптура отличилась разными признаками: это ее так называемая интерактивность, где наблюдателю следовало обойти скульптуру вокруг и осмотреть ее в целом, что делала ее церковную миссию посредника между простым обывателем и церковью еще более убедительной. Скульптуру использовали и в качестве декорации церковных интерьеров для поддержания ее архитектурной композиции. Исходя из этого скульпторы были столь искусны в своем искусстве, что создавали свои произведения с большим вниманием к мелочами, начиная от пола и до прозрачной структуры одеяния создаваемых фигур. 

 

Джованни Лоренцо Бернини

(1598 – 1680)

Все эти тонкости барочной скульптуры постиг Джованни Лоренцо Бернини, который является итальянским архитектором и скульптором эпохи барокко. В первую очередь он был скульптором. По мнению многих ученых его значимость в области ваяния сравнима с Шекспировским для театральной и литературной жизни всего мира.

Бернини в детстве считался вундеркиндом, многие сравнивали его с Микеланджело. 

Скульптор выбирает для изображения своих произведений всегда тот момент события, который наиболее ярко передает главную мысль происходящего и увеличивает интенсивность завязки. Темой его работ становятся мифологические и библейские сюжеты, чему видно подтверждение в его работах «Эней, Анхиз и Асканий» (1619), «Похищение Прозерпины» (1621 – 1622), «Аполлон и Дафна» (1622 – 1625) и «Давид» (1623 – 1624).   

Бернини-Аполлон-и-Дафна

Бернини, Аполлон и Дафна, 1622-1625, Public domain.

 

Одна из наиболее крупных работ Бернини – «Экстаз святой Терезы» (1647 – 1652). Она выполнена из мрамора по заказу кардинала Федерико Корнаро и находится в семейной капелле Корнаро в церкви Санта Мария Делла Виттория в Риме. Произведение представляет святую Терезу из Авилы, которая полулежит в состоянии божественного просветления на облаке. Рядом с ней ангел чуть выше нее ангел, который вот-вот собирается пронзить ее сердце стрелой.

Мраморная работа исполнена так искусно, что святая кажется парит как перышко на облаке. Это манера скульптора подчеркивает кульминацию происходящего. Мы видим святую Терезу, пребывающую в высоком духовном озарении. Мистическое кажется явным, но Бернини изображает, и физические, и сознательные эффекты – все что могло быть вызвано откровением святой. Это показана ее позой, выражением ее лица. За центральными фигурами мы замечаем расходящиеся лучи света – то, что видит просветленный человек в момент истинного счастья.      

Если посмотреть общую композицию, можно установить, что главные фигуры находятся между колоннами с двумя ложами по обеим сторонам центрального сюжета. Театральные ложи расположены прямо друг против друга и украшены портретными скульптурами семейства Корнаро.            

 

Бернини-Экстаз-святой-Терезы

Бернини, Экстаз святой Терезы, 1652, public domain.

 

 

ДРУГИЕ ИЗВЕСТНЫЕ ХУДОЖНИКИ БАРОККО

Далее мы расскажем о художниках эпохи барокко, которых нельзя обойти вниманием.

Кроме Италии были и другие страны, подарившие миру не менее знаменательных художников.   

 

ФЛАМАНДСКИЕ ХУДОЖНИКИ БАРОККО

Питер Пауль Рубенс (1577 – 1640)

 

Питер Пауль Рубенс был влиятельным художником и создавал религиозные и мифологические произведения. В отличие от Нидерландов, где в этот период был распространен протестантизм и религиозным полотнам не нашлось применение: мы знаем, что в 17м веке голландская живопись (в Нидерландах) состояла из малоформатных натюрмортов, жанровых сцен и анималистических картин.

В противоположность этому в католической Фландрии религиозные картины пользовались успехом. И работы Рубенса нашли здесь широкую публику. Его сюжеты варьировались от пейзажа, портрета до алтарных изображений и мифологических сюжетов. Этот художник «Северного искусства» — так называли страны Европы, находящиеся севернее Италии, — он был известен своим особым стилем и манерой. Этим Рубенс открывает новые перспективы для живописи. Изучая творчество Тициана, в свои картины включает множество обнаженных женских и мужских фигур.   

Кроме того, картины Рубенса содержат яркую эмоциональную атмосферу, за что их часто описывают, как чересчур высокопарными или пресыщенными. 

Можно назвать некоторые из его работ – «Воздвижение Креста» (1611), «Избиение младенцев» (1612), «Прикованный Прометей» (1618), «Поклонение Волхвов» (1624), «Венера и Адонис» (1635), «Три грации» «1639», а также «Возвращение крестьян с поля» (1640), которая показывает любовь Рубенса к пейзажу.

 

Питер-Пауль-Рубенс-Три-Грации

Питер Пауль Рубенс, Три Грации, 1635, Public domain

 

ФРАНЦУЗСКИЕ ХУДОЖНИКИ БАРОККО

Жорж де Латур (1593 – 1652)

 

Жорж де Латур (1593 – 1652) создавал произведения с сильным контрастом светотени, напоминающим технику Караваджо. Что, однако, отличает работы Латура от картин итальянца – его отношение и упрощенное изображение объектов. Он известен своими сценами, освещенными светом, похожим на свет свечи.

Если у Караваджо картины ощущается сильный эмоциональный накал, то у Лутара скорее полное спокойствие. Его сюжеты опираются на религиозные рассказы. Примером его произведений являются «Кающаяся Мария Магдалена» (ок. 1640), «Иосиф плотник» (1642), «Рождество Христово» (1644) и «Младенец Христос» (1645).   

Жорж-де-Латур-Кающаяся-Мария-Магдалена

Жорж де Латур, Кающаяся Мария Магдалена, 1640, Public domain 

 

Испанские художники барокко.

Диего Родригес де Сильва-и-Веласкес (1599 – 1660)

 

Диего Родригес де Сильва-и-Веласкес (1599 – 1660) является одним из крупнейших фигур в живописис барокко. Он работал при дворе короля Филиппа IV, писал портреты королевской семьи, многочисленных придворных особ. Своей манерой письма он открыл новую эру в живописи портрета 17го века. Многие исследователи называют его «Художник художника» из-за его скрупулезного отношения к деталям. Веласкес часто пишет обыденные сюжеты из жизни простого людей и природу.

Приведем некоторые из его известных произведений: «Ужин в Эммаусе» (1618 – 1623), «Капитуляция Бреды» (1635), «Портрет Хуана де Парехи» (1650), «Портрет папы Иннокентия X», «Менины» (1656). Последнее произведение, которое еще называется «Семья Филиппа IV» является одним из самый известных работ мастера из-за виртуозной передачи композиционных элементов пространства, цвета, перспективы и линии.

Картина показывает инфанта Маргариту – дочь короля Филиппа IV. Она стоит в центре, в дорогом платье, как у королевы, окруженная служанками. Мы можем также узнать художника в глубине картины, который как раз пишет картину.

В эпоху барокко принято было изображать детей, как взрослого человека меньшего размера. В девочке мы не видим ничего детского – ее одежда, манеры переняты у взрослой придворной дамы. Хотя ее возраст меньше 10 лет.

Интересно, что в России, где светская живопись начинается в начале 17го века – именно в эпохи барокко – у художников наблюдаются те же тенденции. Замечательным примеров такой работы является Портрет Сарры Фермор кисти Ивана Вишнякова, где подросток изображен как на парадном портрете в барочном шелковом платье на фижмах и припудренными волосами. Ее поза, движения рук и поворот головы напоминают нам скорее взрослую даму, нежели десятилетнюю девочку – именно столько ей было, когда ее изобразил Вишняков.

Менины Веласкеса созданные на 100 лет раньше картины Вишнякова, несомненно оказали прямое или косвенное влияние на последнего. Однако, сложно сказать был ли он знаком с работами Веласкеса, мог ли он видеть их воочию.

Фактически эпоха барокко начинается для русской светской живописи, особенно для жанра портрета с приходом к власти Петра I, то есть с начала 18го века, тогда как в Европе в этот период уже вовсю был распространён классицизм.   

Вишняков-И.-Я.-Портрет-Сарры-Элеоноры-Фермор

Вишняков И. Я., Портрет Сарры Элеоноры Фермор, 1750, х. м., 138 x 114, public domain.

 

Диего-Веласкес-Менины

Диего Веласкес Менины, 1656-1657, Public domain.

 

Нидерландские художники барокко

Рембрант ван Рейн (1606 – 1669)

 

Рембрант ван Рейн (1606 – 1669) был самым знаменитым и самым выдающимся голландским художником, который до сих пор остался как один из самый ярких личностей в мире искусства. Этот голландский живописей эпохи барокко создал за свою жизнь множество великих произведений, среди них «Ночной дозор» 1642 года. Кроме этой крупной работы можно назвать и другие его картины, «Жертвоприношение Авраама» (1635), «Снятие с креста» (1633), «Флора» (1634), «Даная» (1636), «Святое семейство» (1645), а также последнее крупное и очень значимое для творчества художника произведение «Возвращение блудного сына» (1669).    

Ван Рейн писал свои картины на различные повседневные темы из жизни людей, также он создавал пейзажи, полотна на религиозные и мифологические сюжеты. Рембрандт работал в период благополучия нидерландского государства – его жизнь полная различных событий, раннюю потерю жены Саскии, взлетов в карьере и падений до нищеты приходится на золотой век в искусстве Нидерландов. Возможно из-за его фигуры, ставшей ключевой для многих последователей. 

В своих полотнах Рембрандт передает разное эмоциональное состояние фигур и мельчайшие детали внутри композиции. Он виртуозно владел техникой светотени, умело передавал контраст. Кроме того, художник известен своеобразными мазками кисти и экспериментами с красками. Таким образом он добивался желаемой текстуры на холсте. Его ученики и многие последователи в дальнейшем будут многократно возвращаться к творчеству Рембрандта.

Несмотря на принадлежность художника к эпоху барочной живописи Нидерландов, многие исследователи выделяют фигуру Рембрандта отдельно от всей эпохи, столь многое он дал миру искусства    

 

Рембрандт-Ночной-Дозор

Рембрандт, Ночной дозор, 1642, Public domain, via Wikimedia Commons

 

От темного в светлому: Барокко и рококо

Эпоха барокко, которая началась в Риме, достигла наконец до поры так называемого рококо. Его начало датируют 1702 годом и длилось рококо до 1780го г. во Франции. Рококо-это период некой легкости, спокойствия тематики, в противоположность к барочным затемненным и эмоциональным композициям. Общее у этих двух направлений было некоторая напряженность и вихрящиеся завитки в декорации картин, скульптур и архитектуры.

Барокко продолжает жить и в будущем, так как многие мастера эпохи барокко, другие художники рококо оказали влияние на будущие направления в искусстве – романтизма, импрессионизма, постимпрессионизма. Современные художники как Фрэнк Гери искали вдохновение в произведениях Бернини.

 

Искусство Барокко явилось для современников новаторским, которое было основано великими мастерами своей эпохи, в поиске нового, разрушающее грани привычного. С помощью приближенных к реальности изображений, натурализмом жизни и фигур, сакральным языком искусства и мифологическими историями эпоха барокко создало на земле идеализированное искусство.

Часто задаваемые вопросы

 

Что такое искусство барокко?

Искусство барокко началось в поздние годы 16го века и продолжалось до начала 18го века. Это было искусство контрреформантов, когда католическая церковь в оппозиции против протестантов, начавших реформацию, старалась усилить через искусство свое влияние над народом. Одной из средств укрепления своей власти в массах для католической церкви стало искусство, что вызывало у простого люда страх и подчинение перед красотой и богатством не только самого церковного строения, но и перед силой и величием библейских и мифологических рассказов, переданных в картинах и скульптурах.

 

Что характеризует эпоха барокко?

Эпоха барокко выделяется щедрыми украшениями вихрящихся декоративных элементов в живописи, скульптуре и архитектуре. Мастера эпохи барокко показывали в своих произведениях бурные эмоции – часто это мог быть кульминационный момент некоего события. Барочное время можно также назвать театрализованным, в отличие от строгости следующего за ним классицизма. Многие художники в период барокко пробовали новую манеру в искусстве и новые техники, что еще больше подчеркивало эмоциональность, это и светотени техника затемнения фона

 

Когда была эпоха барокко?

Барокко началось как направление в искусстве после эпохи возрождения (ренессанса) и маньеризма. За ним следует направление рококо. Многие художники барокко отказывались от стиля маньеризма, при этом искали вдохновение у ведущих мастеров возрождения. В поиске нового стиля и новаторской техники, развивая предыдущий опыт искусства, они пришли к тому, что называется барокко.

 

 

 

Tagged: //