В этой статье изложена краткая хронология основных стилей в изобразительном искусстве. Здесь приведены самые важные направления в живописи, скульптуре и вржитектуре начиная с 10-11 века и до 1980х годов, то есть до появления импрессионизма. В содержании статьи названы все важные эпохи в истории искусств. Мы рассмортим, как отличить романизм от романтизма. и какие черты присущи каждому стилю. Кроме того здесь приведены основные представители внутри каждого направления.

Все о стилях современного искусства, начиная с импрессионизма, о сюрреализме в живописи и о том, как отличить модерн от модернизма, в тексте «Основные стили в живописи до 1980 года. Часть 2. От импрессионизма до модернизма.»

Содержание:

Краткий экскурс в историю мирового искусства
Обзор основных стилей в живописи, скульптуре и архитектуре
Романизм или Романское искусство: Картина, как «духовная пища» для простого народа
Готика: Выше, шире, просторнее. Memento Mori (помни о смерти)
Ренессанс или Возрождение: Возрождение «Эпохи», которой никогда не было
Маньеризм: Короткий период кича. Кич, как может только кич
Барокко: Возвеличивание власти – обман зрения
Рококо: Игра света, воздуха и цвета
Классицизм: Вперед — обратно в будущее! Ампир, как часть классицизма
Романтизм: После строгости – внезапное бурление чувств
Реализм: Это не должно быть красиво. Должно быть таким, каким оно есть в действительности

Краткий экскурс в историю мирового искусства.

С тех пор, как человек осознал себя, как человека, он начал рисовать. Древнейшие рисунки и изображения человечества, в основном в пещерах и в скалах, были созданы в период раннего палеолита примерно 40.000 лет назад. Возраст наскальной живописи довольно точно установлен учеными — археологами с помощью радиоуглеродного метода.

Почему же люди рисуют? На этот вопрос немецкий поэт эпохи романтизма Фридрих Шиллер (Friedrich Schiller 1759-1805) ответил «В лицах своих Богов человек рисует свой портрет». С первого взгляда ответ кажется вполне ясным, однако при более пристальном рассмотрении, он не отвечает на поставленный вопрос.

Привлекает к себе внимание также тот факт, что изображения животных эпохи наскальной живописи часто реалистичнее и кажутся более живыми, чем те, что созданы художниками в более поздние периоды. Откуда следует оправданный вопрос: Почему живопись художников разных эпох такая разная? Именно это мы хотим здесь рассказать, чтобы дать краткое понимание разных эпох в живописи и, следовательно, разных стилей в живописи и в целом в искусстве.

Между тем интересно, задавались ли вы когда-нибудь таким вопросом, что «официально» первым стилем считается «Романизм», как будто до нее ничего не существовало? При этом «Романизм» (10 век н.э.) не путаем с романтизмом (19век н.э.) – романизм от слова романский, то есть римский), а романтизм от слава «романтика» — и период был романтичный).

Вернемся к живописи романизма и зададимся вопросом, что же было все-таки до нее? Живопись до нее, конечно же, существовала, как мы убедились в этом из написанного выше. Кроме наскальной живописи, были и другие – будь то египетские изображения или древнегреческое искусство. Сохранились прекрасные живописные свидетельства римлян и греков, но и тысячу лет до них люди создавали живописные произведения на стенах в Древнем Египте. А на острове Крит развивалась «фреска» 2000 лет до н.э., оставившая после себя портреты, ошеломляющие своим реалистичностью.

Говоря о живописи, не стоит также забывать о других видах искусства, таких как скульптура, которая также существовала уже много тысяч лет до «Романизма».

О периоде раннехристианского искусства, о Каролингском искусстве и о Западноевропейском искусстве X – начала XI вв. (в Испании, Англии и Оттоновской Германии) подошедшей к эпохе романизма можно говорить отдельно.

Есть в истории искусства также некоторые явления, о которых здесь не упоминается или же некоторые произведения искусства, не причисленные к отдельному стилю. Это обусловлено тем, что эти явления в искусстве охватывали какую-то определенную страну или область, в то время, как почти все остальные сегодня известные так называемые эпохи в искусстве или стили в живописи, охватывали по масштабу целые страны, а иногда даже весь европейский континент или даже Северную и частично Южную Америки.

Интересный момент также, что об основных стилях в живописи историки чаще всего начинают говорить уже после того, как какой-то стиль уходит в прошлое и становится частью истории. Здесь неуместно говорить о современных стилях в живописи. Можно говорить о жанрах в современном искусстве. Или же часто любителей искусства интересуют жанры в живописи. Вы не обращали внимания на то, что мы чаще говорим «Современное искусство», но не говорим о нем, привязывая его к какому-то стилю? Стиль – это термин скорее из истории. Даже если что-то звучит при жизни некоего стиля, как понятие «Impression» прозвучало на выставке Импрессионистов, оно все же закрепилось за конкретными художниками годы спустя.

Можно, пожалуй, сделать оговорку о наших современниках. В последние годы интерес к искусству вновь ощущает подъем и у людей появляется логический вопрос о стиле некое произведения искусства. Однако, это часто лишь желание расставить современное искусство по полочкам уже известных стилей. Или же привязать современного автора к великим мастерам прошлого. В этом есть свой смысл – своего рода поиск «хорошего» искусства. Но все же о стилях современных художников лучше говорить осторожно. Ведь история все меняет довольно беспощадно. Да и так ли это важно знать стиль современного автора? Можно попробовать выявить его качество. Для современного искусства мы считаем этот фактор гораздо более важным, нежели стиль в живописи.

Таким образом о стилях современных произведений искусства пусть говорят историки. Нам же остается любоваться произведениями исторического значения и современных мастеров и пытаться предугадать, какое же их них является великим шедевром и оставит свой след в истории.

Обзор основных стилей в живописи, скульптуре и архитектуре.

Хочется отметить, что говоря о стилях в живописи, мы должны помнить, что некоторые стили нашли свое отображение только в этом виде искусства. Но есть стили, которые проявились так же в архитектуре, в скульптуре, или прикладном искусстве. Поэтому целесообразнее говорить о стиле в искусстве, а не о стиле в живописи или же об архитектурном стиле. Или о стиле в скульптуре.

Ниже даны периоды основных стилей в мировом искусстве. Временные рамки, данные в скобках приблизительны. Так как в зависимости от страны, каждая эпоха могла начинаться или завершаться раньше или позже. Несмотря на это названные временные рамки предлагают определенные границы развития того или иного стиля в мировом искусстве, что дает возможность структурировать стили в живописи в частности и в искусстве в целом. Если внимательно приглядеться, можно заметить, что отдельные стилистические периоды часто пересекаются друг с другом. Некоторые направления искусства, прежде всего в новом времени даже существуют параллельно.

Романское искусство (около 1000 – 13 вв. н. э.)
Готика (о. 12. – 16. вв. н. э.)
Возраждение (1420 во Флоренции – 1520 гг. н. э.)
Маньеризм (о. 1520 гг.– о. 16 вв. н. э. в Италии частично позже)
Барокко (Конец 16 вв. н.э. – о. 1760 гг. н. э.)
Рококо (о. 1725 г.– 1780 гг. н. э.)
Классицизм (о. 1770 г. – 1780 гг. н. э.)
Романтизм (конец 18 века – середина 19 в.)
Реализм (середина 19 в. – 1925 г.)
Прерафаэлиты (1848 г. – 1854 г.)
Импрессионизм (о. II половины 19 в. – конец 19 в.)
Натурализм (1880 – 1900 гг.)
Постимпрессионизм (1880 г. – 1920 г.)
Символизм (конец 19 в. – 1920 гг.)
Модерн (конец 19 в. – начало 20 в.)
Экспрессионизм (конец 19 в. – начало 20 в.)
Кубизм (о. 1906 во Франции — 1914 г.)
Футуризм (с 1909 г. в Италии – частично до 1945 г.)
Дадаизм (1912 г. – о. 1920 гг.)
Прецизионизм (1912г. – 1920 гг.)
Арт Деко (1920 гг. — 1935 г.)
Баухаус (1920 гг. – 1925 г.)
Сюрреализм (о. 1924 г. – о. 1945 г.)
Новая вещественность или новая предметность (1918 г. – 1933 г.)
Абстрактный Экспрессионизм / Ташизм (поздние 1940 гг. – ранние 1960 гг.)
Поп-Арт (середина 1950 гг. Одновременно в Великобритании и США – конец 1960 гг.)
Гиперреализм (1968 г. – до наших дней)
Нео-экспрессионизм (с 1980 г. – 1989 г.)

Следует разумеется помнить, что это деление относиться к искусству мирового масштаба. Что касается стилей в живописи российских художников. То Все совсем иначе. Об Этом следует говорить отдельно, так как в России живопись существует с принятия Христианства, то есть примерно с начала 10 века. И это была религиозная живопись – Иконопись. Светская живопись в России появляется с правления Петра 1. Только в начале 18 века.

Об основных стилях в живописи, которые с тех пор зарождаются и дробятся все мельче, как правило, уже не говорят, как об эпохах в искусстве. В то время как, если выражаться точно, уже с конца второй половины 19го века такое определение невозможно применить относительно большинства направлений моравого искусства. В некоторых кругах в обществе уже несколько десятилетий шли разговоры о наступлении «конца живописи». Разумеется, даже при поверхностном взгляде ясно видно, насколько это высказывание несправедливо. Человек продолжает создавать произведения искусства, как в каменном веке без желание расставить свое искусство в какие-то «полочки» или так называемые эпохи или стили.

Романизм или Романское искусстно:

Картина, как «духовная пища» для простого люда.

(1000 – 1300)

Эпоха в истории искусства, которую называют романизмом начинается где-то в 1000 году н. э. и это напрямую связано с увеличением популярности Христианства в Европе и с восхождением его могущества.

В те времена грамотности в народе не хватало и читать умело лишь небольшое количество людей, следовательно, должно было существовать другое средство, которое наряду с церковной службой, могло бы приблизить простой люд к той истине, в которую он должен был верить. Романская живопись почти полностью состоит из христианских и религиозных предметов, а также изображений людей, которые играли какую-то роль в церкви, к примеру, святых. Сюда можно отнести светский и прежде всего церковных высокопоставленных лиц.

Часто говорится о том, что романские картины для простого народа были своего рода «чтивом». Это значит, что они должны были быть просты в восприятии. Романская живопись, было ли это книжная иллюстрация, живопись на стене, живопись на доске или мозаика (которая не всегда имела отношение к живописи), имели в основном четкие контуры и относительно простое решение цветовых плоскостей. В них практически отсутствует глубина (перспектива) и в этих изображений почти не встретить «реальность». Вы, конечно, уже обратили внимание на то, что в романских картинах есть особенность, когда некоторые человеческие изображения могут быть разного размера. Это означает, что чем крупнее фигура, тем она имеет большую важность и значимость, нежели фигура меньшего размера рядом с первой.

Интересно, что фигуры святых всегда были намного значимее, чем фигуры вельмож, желавших быть изображенными на полотнах, чье создание ими финансировалось. Изображений простых или бедных людей на полотнах встретить невозможно. Вы наверно заметили, что от страха недопонимание раньше обходили своим вниманием подобные картины. Но эти картины имеют огромное богатство истории и мастерства творцов, что стоит изучать.

Романские картины представляет нашему вниманию интересное содержание символических изображений. Человеческие лица часто грубо искажены. Эти картины рассказывают очень сильно эмоционально насыщенные истории. Их создателей не интересуют факты и реальность, тем более, что их живопись появляется почти только в церковном пространстве. Она полностью определена целевой направленностью и желанием влиятельных заказчиков.

Романская живопись представлена во всей Европе.

Название «Романизм» восходит к термину в романской архитектуре того периода – к круглым аркам, позаимствованным у древних Римлян, которые вновь можно встретить в архитектуре и живописи этого времени.

Готика:

Выше, шире, просторнее

„Memento Mori“

(1100 – 1500)

Сиенский собор, 1196-1348

Эпоха Готики, которая началась приблизительно с 12го в. н. э. и в зависимости от страны продлилась до середины 15го века, выражена двумя принципами. С одной стороны, мышление людей становится шире и свободнее. В противовес услужливости согнутой спины медленно просыпается в человеке некое чувство своего «Я». Взгляните на романскую церковь, а затем на готическую: в готической церкви человек ощущает себя немного притесненным и задавленным, но в то же время защищенным.

Готическая церковь заставляет взглянуть вас высоко – сквозь все бОльшие светоносные окна устремляет вас к большей, до сей поры неизведанной, свободе, которая однако внушает некоторый страх. Человек во все времена охотно позволял себя оберегать из чувства страха к новому и неизведанному, это же вело его к желанию защищенности и согласию подчиниться сильному.

Новая свобода правда ассоциируется со страхом перед концом. В те времена люди считали, что в 1500 году н. э. наступит коне света. Все это находит свое отражение в живописи того времени. При этом играет важную роль, что в распоряжении художников предлагаются большие плоскости для творчества, это в свою очередь привносит расширение тематики изображений.

С технической стороны происходит важное открытие и попытка развития двухмерного изображения в трехмерную пространственную перспективу. Прежняя «перспектива» меняется не сильно, но человеческие изображение не выглядят более как безжизненные предметы. Их вдруг начали изображать совсем иначе, чем прежде: статичным и неловким фигурам на замену в Готике приходит мягкие S-образные линия, которая дает ощущение движения телу. Лица обретают более индивидуальные черты, мягче и чуть более объемные. Одежда, до сих пор не имеющая большого значения для художника, начинает привлекать к себе внимание, приобретает множество складок.

Все чаще изображаются светские сцены, иногда встречаются сцены охоты и работы на поле. Придворная элегантность становится центром всеобщих взглядов. Церковь теряет свою абсолютную влиятельность. Жестокость инквизиции имеет здесь свои причины. Церковь все еще держит свою десницу частично защитную, частично порабощающую над обществом, однако появляются уже в поздние годы эпохи такие произведения, как работы Брейгеля или Иеронима Босха, которые будут малоприятны церковному главенству.

В то время, как с периода романизма нам практически неизвестны никакие имена отдельных художников, в готическую эпоху мы неожиданно видим возрастающее число известных имен, в Италии и во Франции, в Нидерландах, в Германии и любых других странах. Возникают первые крупные школы, которые конкурируют между собой. Италия задает такт во главе Джотто ди Бондоне (Giotto di Bondone – годы жизни о.1266/1267- 8 января 1337) и его неслыханным натурализмом. Здесь между делом развивается станковая живопись, из-за возрастающего количества крупных заказов на большие площади в церковных помецениях, поступивших со стороны церкви.

Таким образом церковь, преследуя свои цели, невольно выступает покровителем художественного мастерства.

1 «Memento mori» перевод с латыни «Помни о смерти»

Ренессанс или Возрождение:

Возрождение «Эпохи», которой никогда не было.

(1420 – 1520)

Альбрехт Дюрер, Полевой Заяц, 1502, бум. / гуашь [общественный источник]

Стиль в живописи- северное возрожение. В то время, как Леонардо и Микеланджело творили в Италии, основным стилем в живописи варварских государств назывался северное возрождение. Примерно в 1420 году, что следует из истории предыдущего периода готического искусства: освобождение индивидуума – своего вида Возрождение (отсюда и название).

Мастера всех отраслей, а, следовательно, художники вспоминают образы давно забытой римской и прежде всего древнегреческой античной культуры. Что касается живописи, то она кажется в некоторой степени противоречивой.

Классическая античность ограничивается главным образом скульптурой и архитектурой. Картины являются скорее исключением.

Ренессанс или Возрождение в живописи – это возрождение эпохи в истории искусства, которой в своем виде никогда в действительности не существовало. Однако принципы античности соответстуют в точности тем, что были определены в возрожденную эпоху. Портреты и вообще все изображения, также пейзажи, становятся в этот период натуралистичнее и реалистичнее. Трехмерность прокладывает себе путь в противовес чисто плоскостным изображениям в Романизме и частично в Готике.

Что касается Трехмерности, то в виде исключения ее символом стало произведение пластики (скульптуры), которую олицетворяет «Давид» Микеланджело, принадлежавший к первым скульптурам Ренессанса. Скульптуры Возрождения мастера сознательно задумывали таким образом, чтобы из можно было разглядывать со всех сторон. До этого момента скульптуры создавались по античным прообразам только для рассмотрения в анфас.

Примерно так же обстоит с живописными полотнами эпохи Ренессанса, причем здесь справедливо будет заметить, что среди самых значимых пионеров эпохи Возрождения наряду с мастером Леонардно да Винчи принадлежит также великий Микеланджело Буонарроти, в качестве живописца (а не только как скульптор).

Ренессанс: Во времена Возрождения фреска , техника изобретенная 3000 лет назад обретает поистине новое значение. Большие площади стен позволяют масштабные, широко развернутые творения с разнообразными сюжетными линиями. Живописная техника становится все более отточенной. Лица обретают объем и такую детальность в прорисовке, что создается ощущение живого присутствия портретируемого перед глазами зрителя.

Масляные краски занимают место прежде используемых темперных красок. Эпоха Ренессанса является также точкой отсчета величественной фламандской / нидерландской пейзажной живописи.

Маньеризм:

Короткий период кича.

Кич, как может только кич.

(1520 – 1600)

Название, приведенное выше, разумеется имеет провокационный характер. Не все, что создано в период примерно с 1550 – с предшественниками уже и с 1515 года – можно назвать «кичем». Для современного глаза это кажется неестественным, однако это явление имеет причины, достойные уважения. Вместе со вновь обретенной свободой человека приходит и устремление каждого художника найти свою собственную форму выражения, свою индивидуальную «манеру».

Однако все это ведет стремительно к преувеличениям, от которых не был свободен сам Микеланджело, поэтому некоторые его работы фактически причисляются не к возрождению, а к маньеризму.

В живописи маньеризма чувства намеренно изображаются с некоторым преувеличением. Жесты несут характер гротеска, все раздуто до крайности, вплоть до одежды изображаемых фигур. Легкая S-образня линия периода Возрождения превратилась в почти неестественные изогнутые тела.

Хочется отметить еще один признак этого стиля – это символы, создающие некий подтекст сюжета. Любовные сцены с различными деталями и намеками. Это, пожалуй, тоже является одним из любимых приемов художников – маньеристов.

Не хватает иронии, для выражения мысли, что именно этот стиль становится первым пан-европейским стилем, который привлекает художников со всей Европы в Италию – в центр искусства на тот момент времени.

Барокко:

Возвеличивание власти – обман зрения.

(1590 – 1760)

Из «Манеры» вырастает «Метод». Князья и Епископы, короли и папы находят все большее наслаждение в том, чтобы видеть представление уже не Божественной, а своей собственной власти. Сцены становятся все более пышными. Роскошь доходит до невозможных форм рациональных решений.

Так называемый ‚Trompe l’oeil‘ — оптический обман находит отображение в живописи.

Открываются все новые и новые академии. Золото и мрамор (в скульптуре) становятся ведущими материалами. Фигуры изображаются с сильной пластичностью, это похоже на скульптурные произведения Ренессанса, как «Давид» Микеланджело. Принцип света и тени выходит на первый план из-за стремления передать предельную реалистичность. Эпоха барокко – это прежде всего тот стиль искусства – особенно в архитектуре который без стеснения, как в церквях, так и во дворцах выставляет величие власти во всей своей пышности. Ничего не может быть величественнее и ценнее для того, чтобы показать славу и богатства своего владельца.

Интересен тот факт, что говорить о стилях в искусстве России можно начиная именно со стиля Барокко. Именно петровское окно в Европу позволило европейскому искусству ворваться в «закрытую» российскую культуру. И реформы Петра позволили познакомиться в искусством Запада и развить свое искусство на фоне новых течений.

Нужно отметить, что стиль барокко в России начался немного позже и имел другие признаки, нежели европейское барокко. Здесь также стоит отметить Петровское барокко и Елизаветинское барокко – эти стили представлены только в Санкт-Петербурге и имеют свое особое значение в контексте стиля барокко и архитектуры России.

Рококо:

Игра света, воздуха и цвета.

(1725 – 1780)

В Рококо взяло свое название во французском слове «rocaille» – рокай (или рокайль). Во Франции так называли украшения в виде грубо обработанных камней (roc – скала) и раковин, которыми декорировали садовые гроты и фонтаны. Позднее этим словом стали обозначать всяческие формы, напоминающие украшения подобного рода. Слово приобрело особый семантический ореол: каприз природы, прихоть воображения, нечто необыкновенное, причудливое, вычурное. Отсюда термин rococo. (С. Даниэль, Рококо. От Ватто до Фрагонара. Спб, «Азбука-Классика», 2010).

Итак стиль рококо возник во Франции. Все, что в барокко было обличено в устойчивую форму, здесь растворилось в воздушном пространстве, свете и веселье. Все формы как будто наиграны. Цвета становятся светлее, до совсем прозрачных. Религиозные сюжеты отходят немного на задний план, хотя художники такие, как Джованни Баттиста Тьеполо (Джанбаттиста Тьеполо) (Венеция 1696 — Мадрид 1770) оставляют после себя прекрасные примеры живописи по сырой штукатурке – фрески. Прекрасные фрески Тьеполо можно увидеть во многих церквях.

Другая сторона стиля Рококо – это знаменитые пасторали – сцены пастушьей жизни, не имеющие ничего общего с реальностью, они вдруг становятся ведущей темой времени.

Как будто не было других – более значимых – экономических, социальных или иных целей в обществе, в Рококо все беззаботно и радужно.

Чтобы сохранить некую справедливость по отношению к истории следует отметить, что рококо не отличилось так ярко в архитектурне, как классицизм или барокко. Стиль рококо больше проявился в интерьерном обустройстве и в предметах прикладного искусства, в декоре и архитектурных деталях, чем в построении фасадов. Из-за этого в некоторых источниках можно вообще не встретить упоминания стиля рококо. Его иногда причисляют к позднему барокко. Такое отношение «недооцененности» связано может быть еще с тем, что некоторые стили называют «Большими стилями». Рококо к ним не относится. «Большой стиль» — это стиль, который охватил основные виды искусства – архитектура, скульптура, живопись. И проявился во многих странах, а не регионально.

В России стиль рококо проявился примерно в эпоху правления императрицы Елизаветы Петровны. Однако в отличии от Франции здесь эпоха рококо продлилась не так долго и с приходом Екатерины II и увольнением мастера барокко Бартоломео Расстрелли быстро сменилось классицизмом, который был царице больше по душе.

Классицизм:

Вперед — обратно в будущее!

Ампир, как часть классицизма.

(ca. 1770 – 1840)

Ангелика Кауфманн, автопортрет [Public domain]

В классицизме, который начал свое распространение приблизительно в 1770 гг. во Франции и получил международный характер, охватывая умы художников разных жанров. Наряду с живописью и архитектурой они обращаются к ранее популярным темам, техникам и формам. Во многих произведениях, созданных к период классицизма, можно с легкостью заметить образы греческой и римской классики.

Цвет становится более плоскостным, и сами портреты приобретают вновь заметные глазу контуры, это напоминает Романизм. Краски возвращают свое прежнее назначение. Строгие формы задают такт. Стиль Людовика 16го, Бидермейер, Ампир – являются частью стиля классицизма, который часто используется для того, чтобы привить человеку патриотические чувства, особенно во Франции и в Германии.

Во времена правления Екатерины II — во второй половине 18 века — основным стилем в живописи являлся классицизм. Урожденная немецкая принцесса Ангальт-Цербст (нем. Sophie Auguste Friederike von Anhalt-Zerbst-Dornburg) став правительницей на новой родине решила привнести свой любимый стиль в Петербург, как бы просвещая новых подданных. Идея просвещения лежит в том числе в основе культуры классицизма. Классическим примером здесь можно назвать галерею Камерона, которая расположена рядом с Екатерининским дворцом (Царское село).

Классицизм в России в период Екатерины Великой (годы правления 1762 г. — 1796г.) представлен работами

Антонио Ринальди (Мраморный Дворец, СПб),

Джакомо Кваренги (1744-1817г., Александровский дворец, Царское село),

Чарльза Камерона (1745 – 1812 г., Галерея Камерона, Царское село),

Андрей Воронихин (1759-1814)

При Павле I (годы правления 1786-1801) — Винченцо Бренна, спроектировавший Михайловский замок.

Позже в первой половине 19го века классицизм с России достигает своего апогея – этот стиль принято называть высоким классицизмом – Ампиром.

В столице Российской империи 19-го века стиль Ампир в Архитектуре представляет главным образом Карло Росси (1777-1849), Его постройки выделяются строгостью и статностью, это 2 симметричных здания по обеим сторонам улицы Зодчего Росси, а также Александринский Театр, венчающий улицу. Здания украшены классическими колоннами дорического ордера. Что редко видно в Петербурге. Росси обращается к стилю Классики греческой Архитектуры. Еще одна постройка Росси, которую нельзя обойти вниманием из-за ее значимости и масштаба – это парное здание Сената и Синода на Сенатской площади.

В столице есть еще один прекрасный — величественный и значительный пример высокого классицизма – Исаакиевский собор, построенный Огюстом Монферраном. Этот собор построен зодчим, который взял в качестве прообраза Собор святого Павла в Лондоне. Удивительно, что Исаакиевский собор является четвертым по высоте купольным сооружением в мире. Его высота 105 м, он уступает Собору св. Петра в Риме (137 м), и Санта-Мария-дель-Фьоре во Флоренции (114,5 м) и Собору св. Павла в Лондоне (111 м).

Следует сказать и о классицизме в живописи и скульптуре. В этот период в Европе, как и в России активно развивается и живопись, и скульптура, причем с новой силой и идеей.

После стиля Ампир начинается некий эксперимент, получивший название стиля Историзма. Это своего рода синтез разных направлений в искусстве. Историзм не выделен в нашем списке отдельно, поскольку он не был «чистым» стилем, а был скорее смешением признаков ранее существовавших стилей. Историзмом иногда называют «Нео-стили» — то есть стиль, существовавший в прошлом но в новой интерпретации – как Нео-ренессанс, неоготика, неоклассицизм и т.д.

Историзм – это, пожалуй, все же стиль, который стоит выделить отдельно, поскольку некоторые представители этого стиля оставили великолепные примеры своего творчества.

В архитектуре Царской России одним из ярких представителей является Андрей Иванович Штакеншнейдер (1802-1865). В его исполнении стиль историзм представляет собой гармоничное сосуществование признаков разных направлений, иногда совершенно не связанных во временном пространстве. Как Павильонный зал с здании Малого Эрмитажа представляет собой некую шкатулку с драгоценностями, в которой мавританская лестница соседствует с ренессансной арочной галереей и колоннами.

Здесь же римская мозаика из романизма и бахчисарайские фонтаны и панорама воды из больших арочных окон, которые повторяются на стене напротив, а легкая, ненавязчивая позолота рококо придает всей этой симфонии света и воды, особую игру. Здесь нет ничего случайного, все продумано мастером до мелочей, для того, чтобы хозяин и гости этого зала ощутили не просто внешнюю красоту, но и гармонию, ласкающую глаз и игру белого каррарского мрамора с искрящимися на солнце капельками воды и световыми бликами от золочения и матовой поверхности мраморных каннелюр.

По заказу Николая I Штакеншнейдер создал в Петербурге также Мариинский дворец на Синем мосту, Николаевский дворец на площади Труда, но кроме этого Дворец Белосельских-Белозерских на углу Фонтанки и Невского проспекта, а также другие дворцы и усадьбы для великосветских господ.

Историзм проявился в основном в архитектуре и обошел всю Европу, оставив множество памятников искусства. В Германии одним из его проявлений был так называемый стиль Бидермейер.

«Нео-стилей» существует великое множество, но наше краткое введение в историю основных стилей в искусстве поможет вам распределить все стили в хронологическом порядке и без труда определить к какому стилю относиться то или иное произведение искусства, будь то живописное полотно, фреска или архитектурное строение.

Не стоит также забывать, что архитектурные строения иногда строятся веками и в одном здании порой бывают представлены черты разных эпох. Так церковь Санта-Мария-ин-Космедин в Риме, начатая в VI веке н.э. перестраивалась в XII веке, а затем в XVII и во второй половине XIX вв. Но она чудом сохранила внутри своих стен, под основным зданием церковь раннехристианского периода VI веке н.э.

Романтизм:

После строгости – внезапное бурление чувств.

(1790 – 1850)

Каспар Давид Фридрих, Странник над морем тумана, 1818, 75×95 см [Public domain]

Романтизм в живописи начинается примерно в начале 19го века. Уже скоро, около 1795г., строгие формы классицизма будут сопровождаться эмоционально наполненными романтичными устремлениями, как будто холодную классику должен быть противопоставлено тепло человеческой души. При этом художникам не удалось создать целостный, ясный и этим четко разграниченный стиль.

Немцы склоняются к определенной тяжести мысли, в то время как английские и прежде всего французские живописцы всецело поглощены игрой светотени. Один из наиболее значительных фигур во французской живописи романтизма – это Эжен Делакруа (1798 г. — 1863 г.)

В полотнах романтизма сложно найти настоящую реалистичность и с этим природу. На их месте играют большую роль сентименты и сознание «устрашающей» красоты. Многие работы этого периода обращаются к подсознанию и открывают широкий простор изображению чувств и страха. В это время одновременно возникают первые общества странствующих, которые желают познавать природу, правда не так, как она есть, а так, как человек ее в чувственном ощущении желает видеть. Все чрезмерно преображается и возвышается. Это одна из причин, почему романтики критиковались и часто становились предметом насмешек.

Реализм:

Это не должно быть красиво.

Должно быть таким, каким оно есть в действительности.

(1850 – 1925)

На смену течению романтизма неожиданно приходит другое отрицающее его эпоха искусства. Его представители называют себя реалистами. Поэтому и стиль, развивающийся с середины 19го века называется реализмом в искусстве. Чтобы остановить наплыв романтиков, по условиям реализма природу, людей, животных и вообще все, что нужно так изображать, как оно фактически есть в действительности. Густав Курбе говорит об «обязанности искусства по отношению к правде».

Реалисты видят не только красивое и доброе, но и злое и уродливое, и это они показывают так же без приукрашивания. Игра света и тени сохраняется и в живописи реализма. Тем не менее, картины этого периода не отличаются особым уютом и привлекательностью – они реалистичны – этим все сказано. Критики считали, что даже эротическим сценам в живописи романтизма не достает чаще всего именно эротизма. Не удивительно, что и эта эпоха частично подвергалось сильной критике. Фридрих Шиллер называет реализм «пошлым». Гете говорит о нем, что искусство должно быть идеальным, но не реалистичным.

Таким образом, мы постарались структурировать основные стили в живописи, скульптуре и архитектуре. Основными мы называем большие стили, которые можно встретить в большинстве стран. Кроме того они проявляются во всех видах искусства.